martes, 13 de marzo de 2018

Otro día en el paraíso con Phil Collins

Otro día en el paraíso con Phil Collins Phil+CollinsEs curioso. Phil Collins dio vuelta a la década con un mensaje social, algo nada usual en sus composiciones, generalmente recargadas en vivencias personales. “Another Day in Paradise”, ese hitazo de la época que hoy los treintones y cuarentones recuerdan con cierta melancolía, trepó los listados desde su lanzamiento como single en octubre de 1989 y se apoderó del Billboard Hot 100 entre el 23 de diciembre de ese año y el 13 de enero de 1990, como si el cambio de década no importara en lo absoluto cuando se trata de una pieza memorable… como ciertamente era y sigue siendo. Sin subrayar en demasía la relevancia de los galardones, hay que decir que no por nada hubo unanimidad en estadounidenses y británicos para reconocer esta obra de Collins, la cual se llevó el Grammy en 1991 por Mejor Canción y Mejor Canción Británica en los Brit Awards. El título del álbum …But Seriously reflejaba mucho más de lo esperado. Era una auténtica declaración de éxito para un hombre con un sinfín de altibajos personales, pero eternamente brillante en el escenario. ¿De dónde salió “Another Day in Paradise” específicamente? El propio Phil se lo aclaró a The Mail On Sunday. “Después de un viaje a Washington DC escribí este tema. Me quedé impactado al ver la cantidad de gente que vivía en las calles”, dijo el artista. No por nada, antes de pulir la composición que derivaría en una ironía sobre el paraíso, el músico tituló el demo de la misma como “Homeless”. En una parte de la letra, una mujer pide ayuda a un hombre de negocios, pero él parece sentirse avergonzado en un sentido en el cual, acaso, sea responsable en cierto modo de la situación de ella. Así escribía Collins en aquellos años. “She calls out to the man on the street, he can see she’s been crying, she’s got blisters on the soles of her feet, can’t walk but she’s trying“. Ella llamó al hombre en la calle “Señor, ¿puede ayudarme? Hace frío y no tengo lugar donde dormir ¿Puede recomendarme algún lugar?” Él siguió caminando, no miró atrás Simulaba no poder oírla Comenzó a silbar mientras cruzaba la calle Parece vergonzoso estar allí Oh, piénsalo dos veces, es otro día para Ti y para mi en el paraíso Oh, piénsalo dos veces, es otro día para ti, Para ti y para mi en el paraíso Ella llamó al hombre en la calle Él puede ver que ella estuvo llorando Ella tiene ampollas en las plantas de sus pies No puede caminar pero lo está intentando Oh, piénsalo dos veces, es otro día para Ti y para mi en el paraíso Oh, piénsalo dos veces, es otro día para ti, Para ti y para mi en el paraíso Oh Señor, ¿no hay nada más que alguien pueda hacer? Oh Señor, debe haber algo que puedas decir Puedes decirlo por los rasgos de su cara Puedes ver que ella estuvo allí Probablemente ha sido echada de todos lados Porque ella no encajaba allí Oh, piénsalo dos veces, es otro día para Ti y para mi en el paraíso Oh, piénsalo dos veces, es otro día para ti, Para ti y para mi en el paraíso

martes, 27 de febrero de 2018

THOMAS DE COLMAR Charles Xavier Thomas dijo, (1785-1870)

Charles-Xavier Thomas nació en 1785 en Colmar. Se hace famoso bajo el nombre de Thomas de Colmar.
Él es un hombre de negocios alsaciano con un gran sentido práctico y una inteligencia poco común. Durante las campañas napoleónicas, él es un oficial administrativo en el ejército. Es responsable de la subsistencia de todo un cuerpo de ejército, bajo el mando de Soult, en España. Él tiene éxito en su misión más allá de toda esperanza. Mientras en todo el cuerpo del ejército la destitución es total, Thomas logra abastecer perfectamente a sus tropas. Luego fue a Inglaterra para entrenarse en técnicas de seguros. De vuelta en Francia, fundó su propia compañía de seguros en París, Le Soleil , que ahora se ha convertido en GAN . Bajo el Segundo Imperio, él es el asegurador líder en Francia. Thomas de Colmar es el primero en fabricar varias máquinas aritméticas que serán reconocidas y utilizadas en toda Europa. El primer modelo está hecho a partir de 1820 y se completa en 1822. Por lo tanto, no hay ningún artesano especializado en la fabricación de estas piezas. Doscientos años después de Pascal, Thomas experimenta las mismas dificultades prácticas que sus predecesores. Llamado Machine of 1820, este primer modelo es solo un prototipo, pero funciona perfectamente. Ya contiene las piezas principales de futuros aritmómetros producidos pronto en la producción en masa. La patente se archiva en 1820. La máquina será reconocida por la Academia de Ciencias tarde, en 1854. La producción de los aritmómetros es monitoreada y controlada por el propio Thomas Colmar, luego por su hijo y luego por sus nietos. son, La producción es entre 1823 y 1878. Más de mil quinientos modelos se construyen durante sus cincuenta y cinco años. Solo el 40% de la producción está destinada a Francia, el resto es para exportación. Estas máquinas son utilizadas por bancos, compañías de seguros, grandes almacenes, compañías ferroviarias, fábricas de acero, el Observatorio de París, la Escuela Politécnica, los Puentes y Pavimentos, etc. Otros modelos similares son fabricado bajo licencia en Alemania e Inglaterra. Algunos modelos están destinados a los Estados Unidos de América. Es la primera calculadora mecánica en conocer un verdadero éxito comercial, se produce a miles de copias que aseguran una inmensa fortuna a su inventor. En 1851, compró a los herederos de Jacques Laffitte, el castillo de Maisons, antigua casa del mariscal Lannes, así como el pequeño parque. Él restaura el todo, vive allí con su familia y ofrece suntuosas fiestas. En 1860, el emperador Napoleón III es su invitado, así como la emperatriz Eugenia. Benefactor de la parroquia de Maisons, es el mecenas de la construcción de la iglesia de San Nicolás. Murió en Maisons en 1870, unos meses antes de la declaración de la guerra franco-prusiana. Está enterrado en Père-Lachaise en la 43ª división, 1 / 25,2 / 40. Michel Arnold, miembro del círculo histórico de Maisons-Laffitte dedicó una conferencia el 8 de enero a este personaje poco conocido. El texto de esta conferencia se reproduce a continuación con el amable permiso del autor. THOMAS de COLMAR Propietario del Château de Maisons de 1850 a 1870 Michel Arnold Los orígenes de la familia THOMAS: Charles Xavier Thomas proviene de una familia borgoñona, originaria de Auxerre. Los documentos genealógicos, que encontramos, remontan a la familia hasta 1281, a cierto Messire Thomas, oficiales de Auxerre, que rinde homenaje al conde de Champagne. La familia se habría establecido en Alsacia alrededor de 1634, es decir durante la Guerra de los Treinta Años. Los abuelos de Charles Xavier eran coopers en Guebwiller. Su padre, Joseph Antoine Thomas, había estudiado medicina en Freiburg im Breisgau, y se había casado en 1781 en Rastadt, Baden-Baden Francoise Xaviere Entzheim. La pareja se había establecido en Colmar en el número 8 de la actual rue Rapp, en la casa llamada "el prestamista real". El padre practicó la medicina primero en Colmar, luego desde 1793 en Rouffach, donde también fue consejero municipal. Se sabe que reorganizó el hospicio de la ciudad, introdujo comedores populares para los necesitados, luchó contra la mendicidad, eliminó el cementerio de las murallas y reedificó los caminos y las alcantarillas. La pareja tuvo tres hijos, incluido Charles Xavier, que nació en Colmar el 5 de mayo de 1785. Después de estudios científicos, ingresó en la administración, luego se unió a los ejércitos napoleónicos, primero en Portugal y luego en España. Charles Xavier THOMAS: tiendas de guardia a los ejércitos napoleónicos Encontramos a Charles Xavier Thomas en 1809 funcionario administrativo en España. Él tiene 24 años. Fue nombrado encargado de la tienda de alimentos, bajo las órdenes del mariscal Soult, y se le encomendó la dirección de la tienda de alimentos y líquidos de la sede del ejército en Sevilla. Aunque los biógrafos no pueden afirmarlo, suponen que es en esta función de Guard Store para los Ejércitos que constituyó los primeros elementos de su futura fortuna. En Sevilla, conoció a una joven noble y rica familia: la Noble Señorita Francisca de Paula, llamada Frasquita, García de Ampudia, Alvares y Valdés, Condesa de Ampudia. Su padre era Don Andrés García y Alvares, y su madre Doña Josefa de Ampudia, García y Valdés. Nació en Marbella el 25 de noviembre de 1794 y apenas tenía 15 años. Un pasaporte establecido a su nombre en 1817 especifica su tamaño: 1 metro 48. ¡Tiene el pelo negro, una boca pequeña y una tez blanca! Charles Xavier iba a ser un buen oficial, porque al final de su vida, los periódicos escribirían: "Era uno de los jinetes más bellos de su tiempo, y este Antinous casi seis pies, aproximadamente 1,90 m, le gustaba al final de sus días, ¡para recordar sus éxitos pasados! " El matrimonio de Charles Xavier y Frasquita se celebrará en Sevilla probablemente en 1810. Entrado por alianza en una familia noble, buscará toda su vida para adquirir un título de nobleza. Él se llamará Thomas de Colmar Su primer hijo, llamado Joseph, Marie, Charles, Francois de Paule, Clement, nacerá en Sevilla en diciembre de 1811. En agosto de 1812, Charles Xavier es hecho prisionero de guerra. Luego explicará que fue hecho prisionero "al ejecutar las órdenes que había recibido para permanecer en su puesto hasta que le enviaran nuevas instrucciones". Fue enviado a prisión en Cádiz, a cien kilómetros de Sevilla, pero logró escapar. Su segunda hija llamada Charlotte, María del Carmelo, Andrée, Pie, nacerá, todavía en Sevilla, en 1813. Tras su fuga, Carlos Xavier se unirá al ejército en Madrid, luego será nombrado, en Vitoria en el País Vasco español, guardia de la tienda de todos los ejércitos unidos. Plegado en Bayona con el ejército, incluso será nombrado inspector de alimentos, una función que renunció en 1814 para ir a Burdeos, donde ofrece sus servicios a Monseñor, duque de Angulema. ¿Realmente abandonó tan rápidamente al Emperador para servir a los Borbones? Es probable, y muchos otros lo harán en este momento. Sin duda vio en él su interés personal. Esto no lo impedirá, como veremos más adelante, ser, después del advenimiento del Segundo Imperio, en excelentes términos con Napoleón III. Sabemos que él habrá escrito en 1820 a su Alteza Real, el duque de Angulema, hijo del conde de Artois, una carta así escrita: "El señor Charles Thomas, uno de los felices 12 de marzo de 1814, de quien SAR deign luego aceptar 12.000 francos para satisfacer las necesidades del estado sólo te pido para echar un ojo vigilante sobre el estado de sus servicios y para darle su poderosa protección para lo nombró Caballero de la Legión de Honor. Se atreve a esperar que sus servicios, su fidelidad y su devoción a la augusta familia de su Alteza Real merecerán el favor que busca para su justicia y bondad. El dicho Sieur nunca dejará de enviar deseos al Cielo por Gloria ... "(La continuación de la carta lamentablemente no nos ha llegado). Thomas de Colmar también mencionará su reunión con la familia real en una petición que envió en 1825 a Su Excelencia el Ministro de Guerra para solicitar la bondad de Su Majestad (Real) cartas de nobleza y el favor de constituir un majorat bajo Baron. Aunque, en 1821, fue ascendido a Caballero de la Legión de Honor, su pedido de 1825, con el fin de obtener cartas de nobleza, nunca fue honrado. En los documentos que le conciernen conservados en los archivos del Servicio Histórico del Ejército del Castillo de Vincennes, Charles Xavier Thomas se señala simplemente como "buen contable, sujeto muy activo, distinguido y que prestó servicios a la administración" Pero en una historia de su vida publicado por M Joly en "La Vie en Alsace" de 1932, un texto mucho más brillante "Sir Thomas desplegado en sus diversas funciones de la actividad inteligente e infatigable, por lo que el suministro de las fuerzas armadas siempre estuvieron aseguradas, incluso en las horas más críticas " Y la historia continúa: "Fue durante su larga estancia en los ejércitos del mariscal Soult, que obligó a realizar muchos cálculos, concibió la idea de su aritmómetro. Charles Xavier THOMAS: inventor del aritmómetro A su regreso a Francia, desarrolló una máquina calculadora, creando, primero, el sistema de ruedas parcialmente dentadas que es un multiplicador real, y obtiene la patente en 1820. Tenga en cuenta que la demanda de patente es el primer documento que encontramos con las palabras: Charles Xavier Thomas "de Colmar". Esta maravillosa invención realmente data de la era de la construcción industrial de máquinas de cálculo y sus aplicaciones prácticas. Hay una descripción larga del aritmometro de Thomas, y amplios detalles sobre su funcionamiento en los Anales de la Sociedad de aliento para la industria nacional. Citemos aquí los principales pasajes del informe que fue dirigido a esta Sociedad en diciembre de 1821 por uno de sus vicepresidentes, el Sr. Francoeur: "Caballeros, me han encargado que examine una máquina que le presentó Monsieur Thomas de Colmar, a la que llama" aritmómetro ". La primera máquina de este tipo que conocemos es la inventada por Pascal a la edad de 19 años. Ella fue muy complicada Desde entonces, ha imaginado en este modelo varias concepciones de la misma naturaleza: la de Epine y la de Boistissandeau merecían ser aprobadas por la Academia de Ciencias. La enciclopedia anterior contiene una descripción de Diderot. "El valor predeterminado de todas estas máquinas es prestarse a cálculos muy simples. Todos han caído en el olvido hoy, y uno los ve solo como concepciones más o menos ingeniosas ". "La del señor Thomas de Colmar no se parece a las demás: da el resultado del cálculo sin juicio y no está hecha a imitación de ninguna de las primeras. Es cierto que Monsieur Thomas de Colmar no estaba al tanto de esto cuando se lo imaginó, y que no pudo ayudar al trabajo de sus predecesores ... " "Es realmente imposible combinar mejor los agentes del instrumento que se le presenta y superar la vergüenza del sujeto". Un segundo informe menciona: "La invención del Chevalier Thomas de Colmar nos parece ser uno de esos descubrimientos que hacen honor a aquellos que conciben y son gloriosos por el tiempo que los produce". En 1851, Thomas de Colmar recibe la medalla de oro de la Sociedad de Aliento para la Industria Nacional, así como una medalla de plata en la exposición de Londres. Para promover su aritmómetro, que, desde 1850, parece realmente desarrollado, Thomas de Colmar ofrece una copia de su máquina a varias cabezas coronadas. Él recibe a cambio felicitaciones, obsequios u honores: Una máquina se ofrece así a Marie Teresa Luisa de Borbón Parma, regente de los Ducados de Parma y Piacenza. Otro a Su Majestad el Bey de Túnez. Para recompensarlo, este último le ofrece una distinción honorífica: el Diamante Nicham. En 1852, el Príncipe Presidente de la República, futuro Napoleón III, le da una caja de rapé de oro a su número, y el Duc de Nassau un anillo de diamantes. Su Majestad el Rey de los Países Bajos le entrega el Certificado de Caballero de la Orden de la Corona de Roble, y Su Santidad el Papa Pío IX lo hace Comandante de la Orden de San Gregorio Magno Su Majestad el Rey de Grecia le entrega la Cruz del Salvador del Caballero, y el Rey de Cerdeña lo convierte en Caballero de su Real Orden de los Santos Maurice y Lázaro Finalmente el Gran Duque de Toscana lo ennoblece a perpetuidad, de hombre a hombre, por patente de letras. Después de un comienzo difícil, el aritmómetro de Thomas demostró ser un verdadero éxito comercial: se construyeron más de 2.000 máquinas, el 40% de la producción se vendió en Francia y el resto para la exportación. Los modelos tenían una capacidad de 5 a 20 dígitos significativos. Además de las cuatro operaciones básicas, ¡algunos pudieron extraer raíces cuadradas! Las máquinas fueron compradas por grandes almacenes, compañías de seguros, bancos, compañías ferroviarias, fábricas de acero, Ecole Polytechnique, Ecole des Ponts et Chaussées, Observatorio de París, etc. Este brillante éxito se debe no solo a las cualidades intrínsecas de la máquina, sino también a su excepcional fiabilidad, que hace posible su uso diario durante diez años sin la necesidad de intervenir para repararlo. Para la Feria Mundial de 1855, celebrada en París, Thomas de Colmar se dio cuenta de un monstruo real de 2 metros de longitud y una decoración increíble. Esta máquina se parecía mucho a un piano y podía realizar operaciones de hasta 30 dígitos significativos. Lo más probable es que esta máquina haya inspirado a Julio Verne en su historia, inédita hasta 1994, titulada: "París en el siglo XX", cuando escribió: "..... Michel dio vuelta y vio la máquina n. ° 4: era un dispositivo de cálculo. Estaba lejos de la época en que Pascal estaba construyendo un instrumento de este tipo y cuyo diseño parecía tan maravilloso en ese momento. Desde entonces, el arquitecto Perrault y Thomas de Colmar trajeron cambios felices a este tipo de dispositivos. La casa Casmodage poseía verdaderas obras maestras: sus instrumentos parecían vastos pianos; al presionar las teclas de un teclado se obtienen totales, restos, productos, cocientes, reglas de proporción, cálculos de depreciación e interés compuesto instantáneamente ... " El taller de fabricación de aritmómetros estaba ubicado en 16 Rue de la Tour des Dames, París, en el 9º arrondissement (cerca de Trinity), y tenía una capacidad de producción de aproximadamente 100 dispositivos por año. A la muerte de Thomas de Colmar, el inventario elaborado en el contexto de la sucesión mencionó 319 máquinas en producción y muchas herramientas: 5 tornos, 3 máquinas para perforar, un cortador grande, una fresadora, un torno a su vez, 5 bancos de trabajo en roble con 14 vicios, una forja y yunque, 850 Kg de cobre, etc. En 1857, por un decreto imperial, Thomas de Colmar fue ascendido a Oficial de la Legión de Honor. El monitor universal del 15 de agosto de 1857 menciona que este nombramiento se le confiere como el inventor del aritmómetro. El aritmómetro será después de la muerte de Thomas Colmar aún perfeccionada por su hijo Louis, y por el Sr. Payen, que estaba a cargo de la producción en masa. THOMAS de COLMAR: fundador de la compañía de seguros "Le Soleil" Regresemos un poco. Dotado de un juicio seguro, y con un poder superior de trabajo, Charles Xavier Thomas, cuya invención del aritmómetro no había absorbido, lejos de ello, toda la actividad, entendida desde su reingreso a la vida. el futuro de la industria de seguros. Estos habían estado operando desde 1765 en Inglaterra. Thomas fue a estudiarlos en el acto. De vuelta en Francia, fue uno de los primeros en dar a conocer los principios y proclamar los beneficios. En mayo de 1819, fundó en París, con un suizo llamado Jacob Dupan, la compañía de seguros francesa "Le Phénix", de la que era gerente general, y de la cual Jacques Laffitte habría sido uno de los accionistas. Pero no podía aplicar libremente sus ideas personales. Rápidamente dejó la compañía de Phoenix, para fundar en 1829 su propia compañía: la Compañía de Seguros contra el fuego "The Sun", cuya sede se ubicará en 13 rue du Helder, entre el Boulevard Haussmann y el Boulevard des Italiens. . Thomas de Colmar suscribirá más de una cuarta parte de las acciones, y aseguró a la gerencia hasta su muerte. Thomas de Colmar, como otras aseguradoras del siglo XIX, tenía una verdadera preocupación filantrópica y consideraba el seguro como un beneficio para la humanidad. La Gran Encyclopédie de Berthelot define la filantropía "no solo como un principio de moralidad individual, sino como un principio económico y social que busca mejorar la suerte material y moral de los hombres" Thomas de Colmar introdujo muchas innovaciones que a menudo eran de la escuela en el negocio de los seguros: contrato de duración ilimitada con cláusula de renovación tácita, garantía contra incendios mantenida incluso en caso de disturbios o guerra, sistema de participantes asegurados que podría, de acuerdo con el resultado anual de la Compañía, ya sea para contribuir hasta la duplicación de su prima, o para estar interesado en los beneficios, porque el 80% de los beneficios estaban reservados para ellos (así se paliaba la falta de datos estadísticos sobre los riesgos a ser asegurados) . Thomas de Colmar nuevamente innovó mediante la creación de comités locales responsables de realizar encuestas y premiar a los mejores empleados mediante la concesión de bonos. Finalmente, creó un fondo de pensiones para el personal de su Administración central. Llegó a proponer a sus nuevos clientes que realizaran todos los pasos para la terminación de sus contratos previos, con otras compañías de seguros, sin cargo. En 1843, creó una segunda compañía, "Eagle Fire", que suscribió la mayoría de las acciones y al frente de la cual colocó a su hijo mayor: Clement. Se dice que el "Sol" es un emblema real, su nombre fue rechazado por los bonapartistas. ¡Una compañía llamada "l'Aigle" solo podía seducirlos! Pero otra interpretación deriva este nombre del dicho: "Solo el águila puede mirar el sol". En 1848, otra innovación: las dos compañías concluyen un tratado de reaseguro recíproco. El desarrollo es rápido: el sol absorbe sucesivamente Empresas: El Globo, Lyonnaise, el paladio, el Nivernaise .... Para hacer frente a la expansión de los servicios, se tuvo que construir en 1868 un nuevo edificio ubicado rue de Châteaudun, en el noveno arrondissement. Bajo el segundo Imperio, el grupo "Sun - Eagle" ocupó el primer lugar en Francia en el campo altamente competitivo del seguro contra incendios. En 1869, el Sol y el Águila, bajo el impulso de Thomas de Colmar, piensan en extender sus actividades al seguro de la vida. Este proyecto será interrumpido por la muerte de Thomas de Colmar en marzo de 1870, luego por la Guerra de 1870 y la Comuna de París. El proyecto será asumido por el segundo hijo: Louis, ahora Duc de Bojano. Es él quien, a la muerte de Thomas de Colmar, asumirá el mando de la Compagnie du Soleil. Recordemos, aunque esto está fuera del alcance de nuestro estudio, que el grupo "Sun - Eagle", nacionalizado en 1946, debía fusionarse con "La Nationale" para dar a luz al GAN. THOMAS de COLMAR: propietario de Château de Maisons En 1850, los herederos de Jaques Laffitte pusieron a la venta, en ocho lotes, toda la propiedad de Maisons. Thomas de Colmar estaba a la cabeza de una gran fortuna. Adquirió, en la audiencia de la subasta de la corte del Sena del 14 de agosto de 1850, Château de Maisons con las 33 hectáreas que actualmente forman lo que se llama el Petit Parc. Según un testimonio, él habría hecho esta adquisición porque un médico le había aconsejado, para una de las hijas de Thomas, un poco de sufrimiento, un cambio de aire. Vivir en casas vivía en el campo. Pero como en ese momento la familia Thomas ya poseía el castillo de Champfleury Carrieres sous Poissy, es concebible que la adquisición de casas Château más se reunió con el deseo de establecer una residencia de más prestigio, y relacionado su fortuna Esta fortuna además le permitiría llevar a cabo muchas obras de reparación en la propiedad. Hombre de buen gusto y coleccionista, hizo que la pintura de la Guía, representando a Hércules, fuera reemplazada por una copia de la famosa pintura de Luis XIV por Rigaud, en la repisa de la chimenea del Salón de Hércules. A instigación de Thomas de Colmar, Château y Parc fueron una vez más adornados con obras de arte. Aquí está la opinión de un contemporáneo: "Todo lo que encuentra amplio y curioso en las ventas notables, lo compra y lo deposita allí". Las salas de estar en el primer piso ahora están iluminadas por enormes arañas de bronce dorado. La escalera, digna de Versalles, está adornada con jarrones y estatuas marmóreas. El jardín contiene, entre sus estatuas blancas, la hermosa colección de bustos colosales de los emperadores romanos del marqués de Aligre, que solo podían depositarse allí con la ayuda de dispositivos balísticos. Desafortunadamente, todos estos objetos han desaparecido, a excepción de la pintura que representa a Luis XIV. Es muy probable que los candelabros que aparecen en la gran galería de algunas postales antiguas sean los que Thomas preparó. Aparecen en el inventario de muebles del castillo erigido en su muerte, pero han desaparecido, sin dejar rastro. Las grandes pinturas que se pueden ver en estas mismas postales datan de Laffitte. Por lo tanto, decoraron la Galería del Tiempo de Thomas. ¡Desaparecieron en su turno! Thomas pensó que era mejor derribar los pabellones de entrada, donde fueron reemplazados por conos de pino, los grupos de niños que los adornaban, y los instaló en el vestíbulo del castillo. Estos grupos se encuentran ahora en Château de Vaux-le-Vicomte. Bajo Laffitte, el mantenimiento del parque había sido descuidado. "Monsieur Laffitte", escribió un editor de Revue horticole en 1858, "usó el parque especialmente para ensayos de cultivo de añil, sin tratar de embellecerlo. El Sr. Thomas de Colmar apeló al talento del Sr. Duvillers, arquitecto paisajista, para desarrollar el parque sobre nuevas bases. El periódico hortícola también nos cuenta cómo este habilidoso profesional realizó la tarea que se le confió: "Al ingresar al parque por la entrada principal, los automóviles, después de abandonar las huertas de la izquierda, llegan al patio. honor por dos grandes avenidas plantadas de castaños que, a ambos lados, corren a lo largo de un césped de tres hectáreas y media, en medio de la cual hay una inmensa cuenca. A la derecha y a la izquierda del castillo se extienden los macizos de flores en diseños de bordado, rodeados de parterres. Hacia el sur, se extiende un segundo césped, enmarcado en parterres y macizos de flores cuyo diseño armoniza con el del séquito del castillo. En medio de este césped, se ha excavado una gran cuenca, decorada con ocho cuencas de donde escapa una abundante capa de agua. Un pasillo doble, de cuatro metros de ancho, rodea los macizos de flores y termina en un puente de hierro con tres arcos que conectan el parque con la carretera y el puente arrojado en este lugar en el Sena. Largos callejones serpentean graciosamente a través del césped. Dos cuerpos de agua, alimentados por cascadas, están salpicados de islotes y penínsulas, algunas de las cuales están cubiertas de árboles y las otras sirven como macizos de flores; nada es más amable que estas cestas de flores colocadas en el medio del agua. El camino principal que pasa por debajo del puente es de cinco kilómetros de largo por cinco de ancho ... Los senderos secundarios conducen a través de los bosques a cabañas, quioscos, cascadas y cuevas colocadas en sorpresa ". Así se realizó, dentro de un año, el plan que Thomas de Colmar había aprobado el 18 de noviembre de 1854. El arquitecto paisajista, satisfecho con su trabajo, presumirá de "haber restaurado el parque siguiendo el sistema de La nuestra para todas las partes que se acercan al castillo, al tiempo que se convierte en la forma más remota de Kent en un vasto paisajismo ". Tenga en cuenta que, en un estudio publicado en los Cahiers du Vieux Maisons en 1990, Pierre Dhers, un historiador de Maisons Laffitte, plantea dudas sobre la implementación real del proyecto Garden como se describe en el Plan de 1854. en dos planes establecidos, respectivamente, uno alrededor de 1840 y el otro alrededor de 1885, por lo que antes y después del período de Thomas de Colmar. La similitud entre estos dos planes haría, según él, poco creíble, la realización de una ruta muy diferente a 1854. Este punto no pudo ser aclarado. En cualquier caso, se ha escrito que "Thomas de Colmar ha hecho de Château de Maisons una de las residencias más bellas de París". Él dará fiestas suntuosas. George Fath, abuelo del famoso modisto Jacques Fath, la voluntad, en "The Illustrated Mundial" 13 de junio de 1857, un informe detallado de una fiesta dada en Maisons 7 de junio en el concurso Comice Agricole Sena y Oise . En particular, escribe: "A las nueve de la noche, más de 2.000 invitados se agolparon frente al Castillo para presenciar los fuegos artificiales organizados por Ruggieri. En el momento señalado, un cohete desde una de las terrazas del Castillo dio la señal a los artífices, y desde entonces no fue más que chispas de fuego, lluvias de fuego, cometas, molinos de viento, que Se lanzaban, caían, giraban, giraban, perseguían y se mezclaban en medio de las llamas. Un río de fuego, el efecto más bello, y dominado por fuentes, de repente se extendió como un gran fuego alrededor del césped y deleitó a los espectadores, cuyas manos no habían parado de latir frente a este espectáculo mágico. . Una pelota, orquesta dirigida por Strauss, siguió los fuegos artificiales. El señor Thomas de Colmar y las Damas del Castillo, cuyos baños eran de rara elegancia, hicieron los honores con mucha gracia y distinción ". Georges Fath ilustró su historia con dos dibujos de los cuales reproducimos el que muestra los fuegos artificiales frente al Castillo. En 1860, Charles Xavier Thomas incluso tuvo el honor de recibir a Napoleón III. También conocemos algunos detalles de la vida de la familia Thomas en los registros parroquiales de Maisons, conservados en Saint Nicolas o en el obispado de Versalles. Recuerde que hasta 1872, es la antigua iglesia ubicada cerca del castillo, que sirvió como iglesia parroquial de Maisons sur Seine. El sacerdote era el padre Placet. 8 de mayo de 1860 Monseñor Jean Pierre Mabile, obispo de Versalles, es recibido en el castillo. Pasará la noche allí, y al día siguiente, irá en procesión del Castillo a la Iglesia para celebrar la Santa Misa y administrar el sacramento de la Confirmación a 86 niños y fieles de la parroquia. El mismo año, la Sra. Thomas de Colmar ofrece una estatua de la Santísima Virgen María en madera de tilo dorado, que será bendecida el 14 de agosto y colocada en el nicho sobre el altar de María en la antigua iglesia. El 7 de julio de 1861 se entregó en la galería del Castillo un magnífico concierto, seguido de una búsqueda para la construcción de una casa para las Hermanas de la Santa Infancia. 7.000 francos fueron recaudados 19 de julio de, 1864 será organizado, siempre en el Castillo, otro concierto cuya recaudación se utilizará para construir un nuevo proyecto de la iglesia a la que el Cura Placet estaba ansioso porque la población de la ciudad había aumentado bruscamente en el parque y el nuevo distrito de la estación. Es la actual Iglesia de San Nicolás, que se completará alrededor de 1872. El Sr. y la Sra. Thomas de Colmar ofrecerán las vidrieras centrales del coro en el que aparece su nombre, y probablemente incluso todas las ventanas del coro. El 10 de octubre de 1865 se celebrará en la antigua iglesia, luego naturalmente en el castillo, el matrimonio de una joven hija de Thomas Colmar: Marie Frasquita Soulzener con Marie Charles Guy Ludovic Véneau. Dos hijas de la pareja nacerán en las casas Chateau: El mayor 12 de agosto de 1866. Será nombrado el 26 de agosto por el padre Placet, y se le dio el nombre de Marie Louise Marguerite Frasquita. El más joven, nacido el 5 de noviembre del año siguiente recibirá los nombres de Anne Charlotte Marie Madeleine. El Thomas de Colmar vivía naturalmente en una mansión en París, primero en 13 Rue du Helder, luego en 156 Boulevard Haussmann, pero a menudo tenían que ir al castillo, acompañados por varias de sus hijas y nueras, ya que en inventario elaborado sobre la muerte de Sir Thomas existen las casas de Castillo, además de las habitaciones del Sr. Thomas y el de la señora, el dormitorio de la señora Soulzener (una niña), el de la señora Veneau (una niña), que la señora Tissot ( otra niña), la de Madame Alvarès (una hermosa niña), etc. Muerte de Charles Xavier THOMAS de COLMAR Thomas de Colmar iba a morir en París el 12 de marzo de 1870, a la edad de 85 años, en su hotel en el 156 Boulevard Haussmann, después de una dolorosa agonía. Durante mucho tiempo había estado sufriendo de una enfermedad de la vejiga, cuando un afecto agudo en el pecho llegó al final de sus sufrimientos. Las crisis fueron tan terribles que el paciente suplicó a todos los que se le acercaron que lo remataran con una pistola. Su funeral se celebró el 14 de marzo a las 11 a. M. En la iglesia de Saint Philippe du Roule, y luego fue enterrado en el cementerio de Père Lachaise, donde su tumba aún es visible. En el momento de su muerte, leemos en la prensa (The Gaulish, 14 de marzo de 1870): "... intervalo de 33 minutos 48 segundos. En los pasillos hablamos sobre el Rey Sol. No es el de Versalles, sino el del Rey Sol de Colmar, el poderoso Lord Thomas, fundador y director de la compañía de seguros Le Soleil. El Rey Sol deja una fortuna de más de 24 millones ... " De hecho, además de Château de Maisons, el Thomas poseía: - Su Hotel de 13 Rue du Helder en París, adquirido en 1823, y que será desde 1829 hasta 1868 la sede de la Compañía "The Sun". - El castillo de Champfleury en Carrières sous Poissy, que adquirirán en 1837, antes de la compra de Château de Maisons. Durante la Comuna de París, este castillo albergaba parte de los servicios del grupo "Bee-Eagle". Esta zona será habitada más tarde por la condesa de Ronseray, hija de Thomas de Bojano. - El Château y Domaine de Mairé cerca de Châtellerault en Vienne, con una superficie de más de 1000 hectáreas, que la familia Thomas adquirirá en 1860, y que volverá a la familia Soulzener. ¡La finca incluía un molino, una fábrica de azulejos, 5 granjas y 760 hectáreas de madera! - El Hotel de 156 Bd Haussmann en París, que construirá Thomas de Colmar sobre una parcela de 1200 m² adquirida en 1863 y donde morirá en 1870. El inventario de este hotel reportará 11 servidores adscritos al servicio de la familia . Los establos albergaban 6 caballos y 6 autos. Además de bienes raíces, el Thomas naturalmente tenía una cartera muy grande de acciones y bonos. En su diccionario biografía de los hombres célebres de Alsacia, publicado en 1910, Edward termina Sitzmann registro que dedicó al fundador de la Compañía de Seguros El Sol, la famosa frase: "Sic transit gloria mundi" (por lo tanto pasan las glorias de este mundo) La Sra. Thomas murió unos años más tarde, en 1874, y será sepultada con el padre Lachaise, junto a su esposo y cuatro de sus hijos. La finca de Maisons Laffitte será vendida en 1877 por los herederos de Thomas de Colmar al pintor ruso Vassili GROMME, antes de ser comprada por el Estado en 1905. Descendientes directos de THOMAS de COLMAR Ya hemos mencionado en nuestra historia a los dos ancianos, nacidos en Sevilla, a saber: Joseph Marie Charles Francois-de-Paule Clemente Thomas de Alvarès. Añadió a su apellido el nombre de la familia de su madre. Nació en 1811. Se casó en 1837 con Georgette Latour, y se asegurará hasta 1870, la gestión de la compañía de seguros l'Aigle. Él murió en 1873. Charlotte María del Carmen Pie Andrée Thomas, nacido en 1813. Se casó en 1830 Charles Raymond Granges, conde de Rancy, pero morirá en 1840. El hijo de Edmond asegurar la gestión del Sol 1880-1884.
Auguste Antoine François Thomas de Alvarès, nacido en Alsacia en Rouffach en 1815. Se casó con Joaquina Viscanio de Alvares de Roz, pero murió sin la posteridad. Louis François Charles Thomas, nacido en Colmar en 1816, pero no sabemos mucho, excepto que se quedó a la muerte de su padre, Neuilly 33 rue de Longchamp. Se menciona en el acto de la sucesión, pero no aparece en la genealogía de la familia acusados ​​de participar en actos de extravagancia que comprometió su fortuna y su propiedad, fue colocado en una sentencia de 1872, como tutela de un consejo judicial. Louis Nicolas André Thomas, nacido en 1818 en París. Se casó en 1845 Marie Louise Marianne Isabelle Livia Lucie Julie Madeleine Thérèse Amelie Adelaide Raphaelle Raymonde Irene Christine Carafa de Noja, hija de Su Excelencia Don Giovanni Carafa, duque de Nocera Noja Bojano. Este hijo Louis recibirá el título de Duque de Bojano, por transmisión de su suegro, confirmado por un decreto de 1858 de Su Majestad Fernando II Rey de las Dos Sicilias. Él será el diputado, luego desde 1870, el sucesor de Thomas de Colmar bajo la dirección de la Compagnie du Soleil. Morirá en París en 1881 Françoise Madeleine Joséphine Thomas, nacida en 1821, probablemente en París. Se casó en 1842 con Charles Soulzener de Enschwyl, Bourgeois of Neufchâtel en Suiza, y vivió hasta 1905. Emmanuel, Eugène Thomas, nacido en París en 1827. Murió en Château de Champfleury en Carrières sous Poissy el 26 de septiembre de 1840 a la edad de 12 años. Henriette Léontine Irma Thomas, nacida en 1831 en París. Se casó en 1856 con el conde Pierre Albert de Dalmas, que fue subjefe del Estado Mayor del emperador Napoleón III, diputado de Ille y Vilaine, y presidente de la junta directiva de la Compagnie Le Soleil de 1863 a 1866 y 1868. en 1876. Ella adquirirá en 1873 el Castillo de Medan, pero morirá 3 años después. También mencionaremos dos niños que probablemente murieron en la infancia: Henri Paul Emmanuel Thomas y Henri Xavier Eugène Thomas ¡Thomas habría tenido diez hijos! ¡Otros testimonios mencionan trece! Lo cierto es que solo cinco de ellos sobrevivirán a su padre. Pero 14 nietos y 33 bisnietos completan su descendencia.

lunes, 26 de febrero de 2018

Historia del arte Universal

Conceptos básicos Origen del dibujo Concepto de dibujo artístico Instrumentos y soportes utilizados El arte en la historia 1. CONCEPTOS BÁSICOS: - ARTE: Acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de lo visible, imita o expresa el hombre lo material o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos denominar como Arte a toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones de belleza y estética. El artista para crear, requiere ante todo estar dotado de imaginación, a través de la cual responde al vasto y multiforme mundo externo expresando sus sentimientos por medio de palabras, formas, colores y sonidos. - ARQUITECTURA: En un sentido corriente, la Arquitectura es el arte de construir, de acuerdo con un programa y empleando los medios diversos de que se dispone en cada época; así podemos definirla como el arte de proyectar y construir estructuras. La misma tiene un sólido fundamento científico y obedece a una técnica compleja, por esta razón se dice que sólo es arte cuando la construcción es expresiva de la voluntad espiritual de una época y esa expresión arquitectónica es el resultado de todos los elementos constitutivos que emanan esencialmente de las relaciones que se entablan con el espacio que conforma la obra y el espacio que lo circunda. De allí cabe resaltar que la Arquitectura es el arte de conformar el espacio, transformándolo. En sus más acabadas manifestaciones, la Arquitectura logra unir la belleza y la utilidad, a tal punto que una depende de la otra, pues una obra no es hermosa si no se adapta al fin para el cual se destina. - ESCULTURA: La Escultura es el arte de crear formas expresivas de tres dimensiones reales, sean volúmenes, cuando se emplean materiales compactos, sean objetos en los que predomina el espacio, apenas delimitado o indicado mediante ejes que lo recorren, cuando se emplean materiales que pueden reducirse a hilos, cintas, cuerdas, etc. o materiales transparentes. La primera forma es la tradicional, la segunda se desprende del carácter que tiene la escultura de vanguardia, pero ambas afirman la tridimensionalidad. El escultor tradicional crea formas volumétricas modelando una sustancia dotada de cierta plasticidad, como la cera y la arcilla húmeda, o tallando materias duras como la piedra, el granito, la madera, el marfil, o bien haciendo moldes que le permiten reproducir en relieve lo que aquellos representan en hueco. El escultor moderno crea formas espaciales utilizando piezas de hiero fundido, hilos de alambre, cintas de acero, filamentos de madera, cuerdas de violín y materiales plásticos variados. - PINTURA: Arte que representa en superficie plana cualquier objeto real o imaginario por medio del dibujo y el color. Los testimonios más antiguos del arte humano son dibujos y pinturas que los primitivos habitantes del planeta dejaron en cavernas prehistóricas, estas pinturas fueron llamadas Rupestres. Desde el punto de vista técnico la pintura se dice que es al fresco cuando se aplica a paredes y techo usando colores disueltos en agua y cal; al óleo cuando ha sido elaborada con colores desleídos en aceite secante, por lo general sobre una tela. La pintura al pastel se efectúa con lápices blandos y pastosos; la acuarela emplea colores transparentes diluidos en agua; a la aguada se llama el procedimiento de emplear colores espesos, templados con agua de goma y miel; pintura al temple es la preparada con líquidos glutinosos y calientes, en ella se emplea entre otros productos, el agua de cola. En la llamada de porcelana se usan colores minerales endurecidos y unidos por medio del fuego. - ARTES VISUALES: En su sentido más general, son las que se relacionan con la impresión e ilustración, las que se expresan por medio de gráficos e imágenes; abarca todas las artes que se representan sobre una superficie plana. Las Artes Visuales tienen como función el comunicar lo que el artista desea expresar por medio de un lenguaje visual, atendiendo tanto a los elementos compositivos como a los principios compositivos, para que la obra en sí resulte agradable y de buen gusto para quien la observe. 2. ORIGEN DEL DIBUJO Desde la prehistoria el hombre trató de reproducir en las paredes de las grutas las formas de los animales que había observado, logrando representar sus movimientos, la masa y la forma de los cuerpos; así, nace este arte que es uno de los primeros practicados por el ser humano, que siempre ha procurado representar los objetos como sus ojos los veían. El hombre a través del tiempo deja su huella traduciendo la impresión que le transmite un objeto reproduciendo su forma, su tamaño y su volumen, bien por medio de un trazo, como en el arte egipcio, griego y japonés, bien sugiriendo sobre todo el aspecto del relieve por el juego de las sombras y de la luz; este último modo de expresión es ya visible en los frescos de Pompeya y en los artistas del Renacimiento italiano, como Leonardo De Vinci. En términos generales, este arte se ha desarrollado en función de las condiciones de existencia de cada época, de cada cultura y de los progresos y conocimientos acerca de los instrumentos y técnicas utilizadas por los artistas. 3. CONCEPTO DE DIBUJO ARTÍSTICO Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa. El dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una superficie plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular, tienen tres. También, debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la limitación de las formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del complejo pictórico, que en virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte independiente. 4. INSTRUMENTOS Y SOPORTES UTILIZADOS Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general, los instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles de plumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera, piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después trazar el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que al contacto de los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una reacción química, dando como resultado la fijación de los pigmentos. Los romanos emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la encaústica en retratos. En el arte de la Edad Media se destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado, cortados en pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de tamaño grande todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y mezclados con algún aglutinante; el agente más común era la yema de huevo, adelgazada con agua hasta donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco, aplicado previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un método parecido que se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros, fue muy utilizado. Las técnicas pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al temple y al óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz y la sombra en La Virgen de las Rocas, de Leonardo, o en Mujer bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos coloreados se mezclaban con aceite y se diluían, para darles la consistencia conveniente, con una mezcla de aceite de linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el método transparente, que consistía en aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo blanco, la obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba secar el exceso de aceite. 5. EL ARTE EN LA HISTORIA - PREHISTORIA ÉPOCA PALEOLÍTICA Las manifestaciones pictóricas de esta época son llamadas pinturas rupestres. Estas pinturas se han localizado en diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico – religioso porque se presume fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente. A esta primera fase del arte rupestre se le ha denominado Auriñaciense, en esta fase las figuras aparecen hechas con trazos burdos, los animales los realizan de perfil y las figuras se presentan aisladas. Luego, hay una segunda fase, la Solutrense, en donde se observan ciertas figuras moldeadas, interviene el color y los perfiles aparecen paralelos; posteriormente, hay una tercera fase llamada Magdaleniense, en ella se presentan escenas de caza, de lucha, etc. y se observa una asociación de la figura humana con la figura animal en las representaciones, hay variada policromía y el empleo del claroscuro como elemento expresivo. Hacia finales del Paleolítico, la característica esencial de las pinturas es la esquematización de las formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo. PINTURA: Las primeras manifestaciones pictóricas provienen de la época paleolítica o de la Piedra Tallada, a esta se le denominó Pintura Rupestre. Estas pinturas se han localizado en diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones. Responden a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico-religioso porque se presume fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente. Hacia finales del Paleolítico, la característica esencial de la pintura rupestre es la esquematización de las formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo. ESCULTURA: Del Auriñaciense datan las primeras esculturas de forma humana. Son figuras femeninas, en hueso, marfil o piedra, de pequeño tamaño, relacionadas con el culto a la fecundidad. Se las conoce con el nombre genérico de Venus. Entre las más conocidas tenemos a las Venus de Willendorf, Lespugue, Savignano y Grimaldi. ARQUITECTURA: En el Neolítico o Edad de Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura pierden importancia y en cambio se desarrolla al final del período una arquitectura de enormes piedras que recibe el nombre de Arquitectura Megalítica, formados por bloques inmensos de piedras, estos monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y Cromlech. - ARTE EGIPCIO La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. Con respecto a la representación de la figura humana, esta se caracteriza por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios. ARQUITECTURA: Una de las grandes creaciones del genio egipcio es la arquitectura, arte en que dejaron monumentos que asombran por su grandeza, hermosura y por la habilidad de los ingenieros constructores. Entre sus obras se destacan los Monumentos Funerarios: Mastabas, Hipogeos y Pirámides, y los Monumentos de Culto: Speos y Templos. PINTURA: La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. La representación de la figura humana se caracterizó por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios. ESCULTURA: A lo largo de su historia, la escultura egipcia pasó por distintas etapas en cada una, por causas políticas y religiosas cambió de dirección, desde la inspiración naturalista a la construcción idealizada de la figura. Se destacan: el Cheik-el-Beled, el Escriba Sentado, Rahotep y Nefret, la cabeza de Nefertiti, los Colosos de Memmón y la gran Esfinge de Gizeh, entre muchos otros. - ARTE GRIEGO Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del Mediterráneo habitados por los griegos. Se caracteriza por su idealismo estético, proporcionalidad, equilibrio de los elementos y su interés por reflejar la expresividad genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo. El atletismo, tan cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus mejores modelos. La sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus formas artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores logros en la cerámica, la escultura y la arquitectura. El arte griego comienza aproximadamente en los siglos V y IV. Se caracterizó por darle a sus obras el mayor sentido de la proporcionalidad, por expresar armonía y equilibrio de elementos y por reflejar una genuina expresión de humanismo. Grecia, es una pequeña península situada al sureste de Europa. Pero en este pequeño país nacieron las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos. ARQUITECTURA: En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El sistema de construcción utilizado fue el adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los templos como exponentes principales, luego, los teatros, las acrópolis, los propileos, los estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y los monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas dieron origen a los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio. MATERIALES UTILIZADOS: Los griegos usaron de manera preferente el mármol, el cual pulían de forma cuidadosa; también emplearon la piedra. ESCULTURA: La escultura griega no está sujeta ni a reglas ni a convencionalismos. El escultor tiene libertad de expresión, sin embargo, toda ella busca y logra la perfección humana, por tanto es una escultura dedicada a exaltar la fuerza física, la perfección de los rasgos, el movimiento y la expresión de la divinidad. Su tema central gira en torno a la figura humana. La escultura griega pasa por 3 períodos épocas o fases evolutivas, con características propias en cada una de ellas. Estas son: - Arcaica: Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan un estilo y una técnica propios. En ella aparece la figura femenina y masculina, al inicio estas figuras eran de tipo hierático, sin movimiento, pero luego surgieron ideas de movimiento, los brazos se despegan del cuerpo y el rostro expresa una curiosa sonrisa. Las esculturas eran hechas como ofrenda a los deportistas. Son de esta época: El Kouros de Anavyssos (atleta), la Dama de Auxirre o Xoana (doncella vestida), la cabeza del caballero Rampios, etc. - Clásica: esta época significó el período de mayor auge en todas las manifestaciones artísticas y literarias. Los escultores logran la perfección de sus técnicas, así como las mejores piezas escultóricas, en donde se observa la magnificencia de la figura humana. Esta época tiene 2 períodos: el estilo Sublime, en el que se destacan escultores como Mirón, Fidias y Polícleto, y el estilo Bello, donde se destacan Scopas, Praxiteles y Lisipo, ambos estilos tenían características propias. - Helenísta: esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toma modelos de las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de realización, entra la figura del niño como tema. La escultura adquiere caracteres de monumentalidad, dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a un primer plano. En este período surgen diferentes escuelas, entre las más importantes: las Escuela de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría. PINTURA: Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que sabían producir por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son copias y fragmentos que no dan una idea clara de cómo era aquella pintura. Se destacan: Polignoto, Apolodoro de Atenas, Agatarco de Samos, Zeuxis, Parrasio y Apeles. CERÁMICA: Esta constituye en las artes menores la mejor y más variada expresión en lo que a decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una muy completa evolución de su cultura. Con un estilo y técnicas propias, se caracteriza por tener formas variadas y originales, predominan los elementos geométricos dispuestos en franjas, las tonalidades del barro, desde el amarillo hasta el gris castaño, presenta figuras en rojo sobre fondo negro o rojo el fondo y figuras negras, predominan formas animales y humanas. - ARTE ROMANO Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la época del Imperio. Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado, más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así, su influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento fue notable. Sus mayores logros los presenta en el desarrollo de la arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la realizaban a servicio de esta, predominando los murales. Los temas eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes, marinas, naturaleza muerta y el retrato. A partir del siglo I, se observan dos corrientes pictóricas o estilos: el estilo Neoático, que se preocupa por la forma humana, resaltando asuntos de la mitología y epopeya y el estilo Helenístico - Alejandrino, que pone de manifiesto la preocupación por la pintura rural, se cultivan el paisaje y las marinas. Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de nuestra época (pintura en Pompeya), se observan cuatro estilos: de incrustación, alejandrino o arquitectónico, ornamental y fantástico. Roma fue un pueblo de labradores, de comerciantes, de guerreros. Los romanos mostraron mayor interés por las cosas prácticas y sus obras artísticas llevan siempre un sello utilitario. Pueblo dominador, fundador de un vasto imperio, el romano tuvo por preocupación fundamental mantener el dominio sobre los territorios colonizados, para lo cual movilizó poderosos ejércitos, dio vida a un denso cuerpo de leyes que apretó los lazos entre la metrópoli y las provincias, y desarrolló una gigantesca labor constructiva con un variado repertorio de formas arquitectónicas perfectamente adaptadas a sus fines. Sus dos grandes realizaciones fueron el Derecho y la Arquitectura, pero su mérito principal es haber extendido la civilización grecolatina por una vasta parte del mundo conocido. ARQUITECTURA: Su finalidad es utilitaria, está concebida en función de las necesidades privadas y públicas. Expresa la voluntad de poder y de mando del Estado romano, que se erige como rector de la vida privada y pública de sus ciudadanos. Es monumental, hecha pensando en la glorificación de Roma y para resistir el paso y el peso del tiempo. Más que la belleza busca la majestad y la robustez, por lo que se muestra en grandes masas sólidas y pesadas. Expresa el ideal de uniformidad del Imperio, que aspira a que todos los pueblos sujetos a su dominio asuman una fisonomía material a imagen y semejanza de la Urbe. Alterna dos sistemas conocidos: el de la columna y dintel (copiado de los griegos), y el arco y bóveda (tomado de los etruscos). Sus principales monumentos fueron: el templo, la basílica, las termas, los teatros, los anfiteatros, los circos, etc. LA ESCULTURA: Se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo y su tema casi central es el retrato. En sus comienzos, la influencia etrusca se hace presente en algunos bronces, luego la influencia griega a través de los escultores helénicos que vivían en Roma o en la Magna Grecia, así como de las obras descubiertas en suelo griego y llevadas a Roma, impulsa la corriente idealista. El enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del período republicano. PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: Creada con un destino utilitario que se cumple en su función narrativa, honoraria o descriptiva. Más que un arte es una artesanía supeditada a exigencias religiosas honoríficas o conmemorativas. Cultiva con preferencia el retrato llevándolo a su máxima identificación con el modelo. Es un arte naturalista. Es una obra anónima. PINTURA: La conocemos a través de los frescos hallados en la ciudad de Pompeya, que suelen ser copias griegas o caprichos decorativos de gracia picaresca como cupidos, pájaros, cintas, flores, etc. Los temas son históricos, mitológicos paisajísticos y marineros. También en ciertos períodos se hizo una pintura arquitectónica, que imita a los elementos constructivos. Lo interesante de la pintura romana es la técnica de manchas de color al temple, aplicadas con brochazos sueltos, sin detallar, a la manera impresionista y con efectistas toques de sombra y luz. También en la pintura domina el gusto realista por lo que los temas preferidos, son el retrato, la caricatura y el paisaje. - ARTE ROMÁNICO Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa un arte al que se le da el nombre de Románico. Este nombre hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos de edificios y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha denominado románico, por la semejanza con el vocablo romance, el cual designa los idiomas derivados del latín. ARQUITECTURA: Es una arquitectura religiosa, de creación monástica, porque son los monasterios y los conventos los que la impulsan. Su edificio tipo es la Iglesia. Expresa el ideal de austeridad y recogimiento, de disciplina y penitencia. Desde el punto de vista técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, por ser estos sus elementos funcionales básicos. Tiene una apariencia robusta y pesada. El principio de sustentación es estático, pues enfrenta masa contra peso. Presenta un exterior sobrio, de muros desnudos y lisos, interrumpidos nada más que por los elementos de refuerzo, que van incorporados a la estructura. Otros elementos constructivos: contrafuerte, columnas, pilares, cúpulas. ESCULTURA: Está subordinada a la arquitectura, que determina los lugares y espacios que deben cubrirse con relieves o estatuas. Su finalidad no es artística sino didáctica: dar a conocer a los fieles las figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa. Estilización y desproporción: las figuras no guardan las proporciones naturales. Tampoco guardan la debida perspectiva ni la relación de tamaños que se debe a la diferente profundidad a que están las figuras. En los relieves, la diferencia de tamaño significa la importancia del personaje. Composición simétrica: las escenas se componen, guardando una relación simétrica. En los tímpanos, la composición tiene siempre como eje la figura de Cristo. PINTURA: La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura era un arte subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores planos, la composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental a través del arte de Bizancio. La técnica empleada es la del Fresco, notables ejemplos son las iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos abstractos de significado simbólico; y las iglesias italianas, donde las escenas religiosas pintadas muestran ya cierto empeño en copiar la naturaleza con fidelidad. - ÉPOCA MEDIEVAL El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya producido obras maestras de carácter profano; la época medieval podemos dividirla en cuatro, ya que fue un largo período en las que se produjeron distintos estilos de arte; el primero fue llamado Paleocristiano, cuya pintura se inicia en las catacumbas, está llena de simbolismo y cabe destacar la realización de los muy famosos mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y los temas eran litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la cruz, etc. Luego, nace el arte Bizantino en la época de Constantino; en cuanto al dibujo y la pintura, adquiere características propias, los artistas realizaban excelentes mosaicos centrados en la representación de acontecimientos bíblicos en las cuales se observa que las figuras representadas poseen un hieratismo bastante acentuado que siempre están colocadas de frente. El Románico, denominado así por la semejanza con el vocablo "romance" que designa a los idiomas derivados del latín, se encargó de decorar el interior de muchas basílicas e iglesias. Durante este período se pinta sobre ábsides y bóvedas figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la pintura románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los temas solían ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas ilustraciones de biblias y evangelios. Por último, aparece el arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres connotados fenómenos de la Edad Media: la formación de la clase burguesa, el desarrollo comercial y la industrialización. La pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas. Esta pintura casi desaparece por completo de las catedrales, puesto que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta manera queda reducida a miniaturas de libros, tapices y retablos. - ARTE GÓTICO Entre los siglos XII y XV, florece en Europa un arte poderosamente original, que fue llamado, un tanto despectivamente Gótico, en el sentido de bárbaro, por suponerse que sus creadores habían sido los pueblos germánicos que ocupaban el centro de Europa, y a los cuales se les designaba con el nombre de Godos. También se conoce este arte como Ojival, por la forma apuntada (en ojiva) de sus arcos y bóvedas, que recuerdan una punta de lanza de filos curvos. Los primeros monumentos góticos se levantaron cerca de París, en la región llamada Isla de Francia. Aquí se construye en el año 1140 el coro de la abadía de Saint Denis, y en el 1163, se da comienzo a la catedral de Nuestra Señora de París, obras en las que se resaltan los elementos propios del estilo. De Francia pasó a todos los demás países de Europa, en cada uno de los cuales adoptó variantes locales, pero con mantenimiento de sus rasgos esenciales. FASES DEL GÓTICO - LANCEOLADO (siglos XVII y XVIII) Robusto, pesado y sencillo. Bóveda de cuatro paños de perfil en punta de lanza. - RADIANTE (siglos XVIII y XIV) Esbelto, ligero, muy adornado con esculturas, bóvedas de varios paños y formas. - FLAMÍGERO O LLAMEANTE (siglo XV) Arcos con ondulaciones de flama. Columnas muy delgadas. Gran altura de naves y torres. Ornamentación escultórica apretada. Uso del arco conopial y de la bóveda en forma de estrella. ARQUITECTURA: El arte gótico se manifestó magníficamente en la arquitectura, se construyeron casas particulares, palacios, edificios públicos, castillos, puentes, fortalezas e iglesias. Pero en realidad, la obra máxima de estos siglos fue la catedral, arquitectura extraordinaria que nunca deja de asombrar a quien la contempla. Los elementos constructivos esenciales son el arco apuntado, la bóveda de crucería ojival y el contrafuerte con su arbotante. Esta arquitectura es de equilibrio dinámico y domina en ella la línea vertical, lo que produce una impresión de impulso ascendente, acentuado por las formas agudas de los arcos y la abundancia de elementos puntiagudos. ESCULTURA: Las características de la escultura se pueden observar en los santos, vírgenes, ángeles, reyes, profetas y figuras alegóricas que llenan el interior y exterior de la construcción, haciendo de remate en pináculos, cubriendo los frisos y las arquivoltas, los tímpanos y todos los espacios posibles. Para dar idea de la decoración escultórica, bastará saber que la decoración escultórica de la catedral de Chartres cuenta con más de ocho mil figuras. Se destacan como escultores: Giovanni Pisano, Nicola Pisano, Andrea Pisano, Klaus Sluter, Gil de Siloe y William Torell. PINTURA: En aquellos países donde el estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura mural fue perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y a partir del siglo XIV aparece la pintura sobre tabla, consistente en pequeños altares portátiles y retablos, formados por uno o varios paneles. Tratan temas religiosos, con gran finura de detalles en la figura humana, pero sin profundidad. Los pintores se esfuerzan por lograr la naturalidad y reproducen gestos y ademanes con exactitud, un poco exagerado hacia lo dramático. Lo más hermoso de estas tablas góticas es el colorido, que brilla con intensidad de esmalte. Se destacan: Jean Fouquet, Juan Van Eyck, Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros. - ARTE BIZANTINO Bizancio, pequeña ciudad griega que había sido cabeza de una provincia romana, asciende de repente (año 330), por decisión de Constantino el Grande, al rango de capital imperial con el nombre de Constantinopla. Medio siglo después, el emperador Teodosio divide su reino entre sus dos hijos, y crea dos Estados Independientes: el Imperio de Occidente, con Roma como capital, y el Imperio de Oriente, con centro en Bizancio. La caída del Imperio de Occidente (año 476) echa sobre Bizancio la herencia espiritual de Roma y acrecienta su importancia como poder político y artístico, que le llegará a su cúspide con el glorioso Justiniano. Pero la situación geográfica de Bizancio, en las puertas de Asia; su alejamiento de las fuentes latinas y el contacto estrecho y continuo con los reinos de oriente, influyen sobre ella en forma que si, por una parte, mantiene su título de hija y continuadora de la cultura clásica, por otra, Bizancio ofrece los rasgos de una monarquía exótica, teocrática y despótica; fastuosa y bárbara, cuyas costumbres, gustos y estructuras pertenecen más al mundo asiático que al grecolatino, lo cual se refleja en su arte. ARQUITECTURA: Está inspirada en las arquitecturas de los países con que Bizancio estuvo más en contacto o que formaban parte de su misma tradición histórica y cultural. Por eso en sus construcciones encontraremos elementos tomados de los romanos, de los griegos, de Siria o de Persia, combinados con otros de su propia invención. Entre los más importantes tenemos:la cúpula, las trompas y pechinas, la bóveda, el arco, los contrafuertes, las columnas y las torres. La construcción más importante de la arquitectura bizantina es la Iglesia. PINTURA: Presenta dos modalidades muy interesantes: la mural, destinada a la decoración del interior del templo; y la de caballete, que produce pequeñas piezas sobre tablas de madera, llamadas Iconos, es decir, imágenes. La primera se pintaba al óleo o al temple, y eran grandes composiciones de tema religioso, con un carácter simbólico que agradaba mucho a la mentalidad abstracta del oriental. En los grandes espacios formados por bóvedas y cúpulas se representaban escenas alegóricas en las que entraban la Virgen o el Cristo: la Resurrección, el Juicio Final, la Gloria, etc. LOS MOSAICOS: No es posible hablar del arte mural bizantino sin referirnos a una de sus más hermosas creaciones: el mosaico. Consistía en la composición de grandes escenas, generalmente religiosas, pero no pintadas sino hechas con pequeñas piezas de cerámica o de mármol de colores (llamadas teselas), que se iban pegando a una base debidamente preparada, sobre la que se había hecho el dibujo previo de las figuras que se querían representar. La gran diversidad de colores y matices de estas teselas permitía dar a las figuras todos los efectos de la pintura, en lo que se refiere a tonalidades, sombras, formas, etc. ESCULTURA: En los primeros tiempos, la escultura bizantina es una prolongación del arte helenístico que produce retratos de gran vigor. Pero después de la revolución de los iconoclastas, que acabaron con todas las imágenes religiosas de bulto y prohibieron el culto de las mismas, la escultura perdió importancia y quedó reducida a las artes menores del marfil, el esmalte, el bronce y el oro, materiales en los que se trabaja el bajo relieve con gran maestría. - RENACIMIENTO El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. En el dibujo, los cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven plásticos; se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revela los grandes conflictos del alma, un ejemplo de ello es la expresión de desesperación que Masaccio le dio a Eva en su cuadro Expulsión de Adán y Eva del paraíso. En el siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las personas pudientes les gusta retratarse de busto o en medallón, y por tanto surge multitud de personas cuyos rasgos quedan labrados en madera. Raramente se ve un desnudo entre la profusión de vírgenes y santos, sólo con suma discreción se insinúa la mundana sensualidad en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las referentes a mártires y pecadores. Al principio, la mayoría de las imágenes alusivas a la carne pecadora se situaban en la periferia de grandes escenas decorativas, donde el artista tenía más libertad de expresión; ya en el siglo XIV, se prefiere interpretar estos temas por medio del desnudo femenino. Entre los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio; de ellos, algunos como Leonardo de Vinci, por ejemplo, destacó más como dibujante, ya que a través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos; sus dibujos están plenos de rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones humanas y también se puede apreciar que están envueltos en una sutil y fina aureola de luz difusa. Se llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico que se produce en Europa, en Italia en primer lugar, a fines del siglo XV, y que muestra como principal característica, que se manifiesta particularmente en las artes, su admiración por la antigüedad clásica, que toma como modelo. El nombre de Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso ser: un renacer o volver a nacer de la cultura grecolatina. Comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza. La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. La cultura greco-romana había sido desplazada durante la Edad Media. En esta época lo novedoso es el arte gótico y bizantino, pero en Roma, estas nuevas concepciones artísticas, enmarcadas en el acto religioso no tienen mayor auge, debido a los recelos de los sabios humanistas orientales que emigran a esta ciudad después de la caída de Constantinopla; es así como al ser rechazado el estilo gótico y bizantino, y puestas en un primer plano las antiguas formas greco-romanas, surge el arte del renacimiento, que se expande por toda Europa (Francia, Inglaterra, Alemania y la Península Ibérica, especialmente). PRINCIPALES CAUSAS DEL RENACIMIENTO - Conservación en universidades y conventos medievales de valiosos manuscritos de autores griegos y romanos. - Uso del latín como lengua culta, que hacía posible la lectura de las obras clásicas. - La presencia en tierra Italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en los curiosos el deseo de conocer la civilización que había levantado tales monumentos. - La invención de la imprenta, que contribuyó a la difusión de los escritos de los poetas, filósofos y sabios de la antigüedad y de los modernos. - Los descubrimientos geográficos, el avance de las ciencias naturales y el progreso de las técnicas que inspiran una confianza ilimitada en el poder de la inteligencia humana y estimulan a la acción. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA - Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma. - Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón. - Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo. - Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente. ETAPAS DEL RENACIMIENTO - PRERRENACIMIENTO O TRECENTO: siglos XIII y XIV. Coincide con el período gótico europeo. - QUATROCENTO: llega hasta finales del siglo XV y su centro cultural es la ciudad. - CINQUECENTO: llena todo el siglo XVI y su cabeza es Roma. ARQUITECTURA La arquitectura del renacimiento empleó los órdenes clásicos (jónico, corintio y dórico), combinándolos entre sí en un mismo tipo de construcción, pero no tal y como aparecen en la arquitectura grecorromana sino al amparo de la inventiva y originalidad del arquitecto renacentista, de esta manera surge el estílo "colosal" propio de esta arquitectura. En este nuevo acontecer arquitectónico se le da mucha importancia a la arquitectura civil, construyéndose los Palacios Municipales, que presentan un aspecto de fortaleza, el Palacio de Habitación, que es de inventiva renacentista y presenta en su exterior forma de cubo con tres pisos, que culmina en una cornisa; y las Villas, que fueron construidas en las afueras de Roma, tenían grandes pabellones con terrazas, escalinatas y patios internos, jardines y parques. La arquitectura religiosa renacentista, utiliza en sus inicios la planta de la basílica cristiana, sin embargo, el centro adquiere mayor importancia por el empleo de la Cúpula, que desplaza a la ojiva gótica y presenta los famosos Ojos de Buey (aberturas circulares). En relación con los elementos constructivos, tenemos que los muros son de ladrillo o sillería, con apariencia robusta, las bóvedas usadas fueron: las de "cañón seguido", "rincón de claustro", "de arista" y la "cúpula"; se usan arcos de medio punto; las ventanas suelen ser de varias formas: rectangulares, gemeladas (dos arcos de medio punto subdividido en otros dos), con alfeizar saliente, o en forma de tabernáculo. En lo que respecta a la decoración de las obras arquitectónicas, se observa que se emplearon varios elementos, estos son: - La Escultura: cubre toda la superficie de los monumentos como un sutil manto, en sus inicios; luego se realizan esculturas en bulto que adornan el conjunto arquitectónico, posteriormente hay una gran profusión de ésta envolviendo por completo el conjunto lineal arquitectónico. - La Policromía Natural: consiste en el empleo de diversos materiales naturales, los cuales al ser combinados reflejaban una diversidad de tonos; por ejemplo, combinaron el mármol blanco de las paredes con la piedra de los muros. - El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las paredes finos relieves pintados con dos colores. - Los Frescos y Mosaicos: llenan las cúpulas y paredes interiores de la construcción, se empleó una diversidad de tonos, los cuales los hacía muy llamativos. - Los Frontones: son de inventiva romana, colocados casi siempre sobre puertas y ventanas, generalmente son rectilíneos, pero en ocasiones pueden ser triangulares o curvilíneos. - Las Pilastras: son columnas que se colocan contiguas a una pared. Las pilastras tienen sus orígenes en la arquitectura romana. ARQUITECTOS RENACENTISTAS - ITALIA: Filippo Brunelleschi, Donato Bramante da Urbino, Rafael Sanzio, Miguel Ángel Buonarroti. - ESPAÑA: Diego de Siloé, Juan Herrera. - FRANCIA: Salomón de Brosse. ESCULTURA El origen de la escultura renacentista se remonta al siglo XIII, en Toscana, con el escultor Incola Pisano, quien se encarga de esculpir del púlpito del Baptisterio de la catedral. Este escultor es el que se atreve a exteriorizar la ruptura con la severidad bizantina y con las ideas artísticas del arte gótico, pero su obra queda aislada. Es en los siglos XIV y XV, donde se comienza la época de mayor furor de la escultura renacentista. En esta época se advierte: Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o natural. Expresión de los sentidos y pasiones humanas. Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos. Temáticas diversas: mitología, religión, historia, leyendas, etc. La escultura renacentista es el primer medio expresivo que reacciona contra el estilo gótico. Esta presenta variaciones de acuerdo con el siglo en que se desarrolla. Así es como al siglo XIII se denominó Época Arcaica, los siglos XIV y XV, Época Clásica y el siglo XVI, Época Barroca. SIGLO XIII. ÉPOCA ARCAICA Surgen los primeros intentos del nuevo estilo escenificado en las obras de los "pisanos", Incola, Giovanni y Andrea Pisano. Entre las características de estas primeras obras tenemos: Expresión de sentimientos humanos. Inspiración en la antigüedad clásica. Realización de "Madonas". Ropaje y accesorios profusamente trabajados. SIGLO XIV Y XV. ÉPOCA CLÁSICA Durante estos siglos existe una gran producción de obras de arte. La actividad artística se encuentra centrada en la ciudad de Florencia sobre todo en el siglo XV. Sus principales representantes son Donatello di Betto Bardi y Lorenzo Ghiberti. Además, cabe destacar la importancia en este siglo de las obras escultóricas de los Della Robia, Andrea y Lucca. Estos escultores, realizaron e introdujeron una nueva modalidad escultórica-pictórica, los relieves realizados con barro cocido policromado y vidriado. Las características de esta época son, entre otras: Adornan monumentos (tribunas, coros, sepulcros, etc.) Diversificación temática. Efectismo pictórico. Gran destreza en la ejecución de obras hasta llegar al perfeccionismo. SIGLO XVI. ÉPOCA BARROCA Durante este siglo la figura más resaltante es Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza numerosas obras con características muy propias, que lo distinguen de otros escultores de la misma época, también sobresale la obra de Benvenuto Cellini, entre otros. Entre las principales características de estas obras tenemos: Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo. Dominio anatómico. Figuras llenas de abundante vitalidad. Demostración de gestos y actitudes en sus figuras. Fuerte influencia clásica. Materiales: bronce y mármol preferiblemente. PINTURA La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia. Durante el renacimiento surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad donde se desarrollan, entre estas se citan: la Escuela Florentina, la Veneciana, la de Siena, la de Umbría, la de Parma, la de Verona, la de Padua, la de Milán y la de Carrara. Los pintores también se agrupan, pero por generaciones, así, tenemos los del Quattrocento (1400) y los del Cinquecento (1500). Hay otra clasificación muy utilizada para caracterizar las obras pictóricas del renacimiento, la cual es: Renacimiento Temprano: que abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 y cuyos representantes más significativos son Fran Angélico de Fiesole, Masaccio, Piero della Francesca y Sandro Botticelli, entre muchos otros, con pinturas verdaderamente grandiosas. Alto Renacimiento: que comprende el período que va desde el año 1500 hasta el año de 1527, en el cual se destacaron famosos pintores: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Tiziano, Pablo Veronés, Tintoreto, Rafael Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero, Jean Cousin y el Greco. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA RENACENTISTA Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la historia. Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales. El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los recursos que enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de profundidad. El punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro. La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma simétrica en la distribución de las figuras. En cuanto a los esquemas de composición preferidos, el triangular (con el vértice arriba o invertido) y el rectangular con la división del espacio en segmentos áureos. En algunos casos, los triángulos son dos combinados. En general, es una pintura dibujística, que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y considera el color como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta. Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente. A partir del siglo XV, se usará en vez del temple, la técnica del óleo, inventada por los pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de la pintura de caballete. EL DIBUJO Y EL GRABADO Los grandes pintores del renacimiento fueron dibujantes de primera. Los apuntes, bocetos y estudios que conocemos de Boticelli, Durero, Buonarroti, da Vinci o Sanzio, quienes se destacaron por su majestuosa obra pictórica, revelan gran maestría en el manejo del lápiz. El que más se destaca como dibujante es Leonardo da Vinci, ya que a través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómico. Su dibujo está pleno de rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones humanas. Sin embargo, el dibujo como técnica independiente, con valor por sí misma, no fue considerado en la época, quedando reducido sólo a un medio auxiliar de la pintura, para tomar apuntes rápidos del natural o hacer estudios de composición, perspectiva, movimiento, anatomía y otros aspectos del cuadro que iba a pintarse. Las técnicas que solían emplear eran el carboncillo, la sanguina, el lápiz y la tinta sobre papel. Pero si el dibujo no tuvo mucho interés para los artistas del renacimiento, en cambio el grabado, sobre todo entre los alemanes fue muy cultivado y se trabajó como una técnica autónoma, paralela a la de la pintura, en sus dos formas principales: el grabado en metal (calcografía) y el grabado en madera (xilografía), a cuya difusión contribuyó el reciente invento de la imprenta en 1450. - BARROCO Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del siglo XVIII, se extendió por todos los países europeos, desarrollando características propias en cada país. En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color. En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain; en España el barroco se torna serio y formal, representado magistralmente por Diego Rodríguez de Silva y Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes: Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft. Este arte se desarrolló entre los siglos XVII y parte del XVIII, su punto de partida fue Italia, Roma, concretamente, donde dejó monumentos grandiosos en el orden de la arquitectura. De Italia pasó al resto de Europa y llegó incluso a Rusia. A través de España, el Barroco se difundió por toda América y alcanza su momento culminante en el siglo XVIII. ARQUITECTURA: Los dos tipos de obra arquitectónica que el barroco desarrolla son la Iglesia y el Palacio. La iglesia, como típico estilo tiene dos robustas torres laterales que enmarcan la gran linterna con su cúpula. El palacio, que toma por modelo el de Versalles, consiste en una larga edificación de varias plantas, cuyo cuerpo central contiene la mayor densidad de elementos decorativos y forma un frontis de gran valor artístico. Elementos esenciales del palacio barroco son las galerías, que son salones largos, abovedados y con ventanales, y la escalera "a la imperial". PINTURA: En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color. En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain; en España el barroco se torna serio y formal, representado magistralmente por Diego Rodríguez de Silva, Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes: Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft. ESCULTURA: La escultura barroca muestra las siguientes características: MOVIMIENTO: las figuras se representan en alguna acción violenta y en actitudes de esfuerzo y tensión. Las ropas participan también de esta agitación y se arrugan en pliegues que revolotean como sacudidos por el viento. PATETISMO: gusta de la expresión de estados anímicos emotivos tales como: éxtasis, miedo, ansiedad, etc., que los rostros traducen con el más vivo verismo. CLAROSCURO: se buscan efectos propios de la pintura, de manera que los cuerpos se perciben como envueltos en una atmósfera luminosa. TEATRALIDAD: existe una propensión a lo exagerado y a las actitudes elocuentes que hacen de ella una representación dramática. - EL ROCOCÓ Estilo característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al barroco y precedió al neoclásico. El término procede del francés Rocaille, que designaba en el siglo XVII la decoración de las grutas y jardines renacentistas a base de conchas. El Rococó floreció principalmente en Francia, en un principio junto con el barroco, hasta que adquirió un lenguaje propio que se difundió por toda Europa. Mientras la arquitectura conservaba su rigidez de origen clásico, los elementos decorativos del rococó aportaron fantasía y elegancia a las construcciones, pero fue sobretodo en los interiores donde la decoración rococó consiguió los mayores logros. ARQUITECTURA: Los adornos que, representando falsas rocas, adheríanse a la arquitectura de las grutas y las cascadas, llamados rocallas, fueron el principal elemento nuevo, introducido para sustituir el rígido sistema de los órdenes clásicos, para evocar en la arquitectura el frescor y la alegría de lo primitivo y lo campestre. Los palacios son los primeros en adoptar como elementos básicos caprichosos recuadros, columnas esculpidas, conchas, etc. ESCULTURA: Alemania acogió el rococó con tal entusiasmo que le fue difícil desprenderse de él . Un gran escultor del siglo rococó fue Andrea Schluter, autor de la efigie ecuestre del elector Federico Guillermo, en la cual puede observarse como el movimiento de masas y líneas, que en el tiempo barroco afectaba solamente a la concepción del conjunto, en el siglo XVIII fue utilizada como un detalle para dar vida a cada pormenor de los cuerpos. PINTURA: El carácter de la época rococó, enamorada de la intimidad, favoreció en pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del retratismo. Este hubiese carecido de gracia sin el realismo, y por tanto, se inspiró en la pintura holandesa y flamenca, especialmente en Van Dyck. El cliente ya no es el Rey, con las grandes necesidades decorativas de un palacio, sino que se halla entre los nobles y burgueses adinerados a los que ha dejado de interesar las composiciones históricas y mitológicas, aunque a menudo, se complacen todavía en hacerse retratar caracterizados como personajes de fábula. - NEOCLASICISMO Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII ante los cánones ya agotados del clasicismo, al producirse el desgaste de las culturas barrocas, que aspiraba restaurar el gusto y las normas del clasicismo. En la época neoclásica, el color pasa a un segundo plano y adquiere mucha importancia el dibujo; es decir, el trazo puro, y el color es aplicado sólo como complemento. Este arte trató de imitar los estilos utilizados antiguamente en Grecia y Roma, por la influencia de los descubrimientos arqueológicos como los de Pompeya y Herculano. En pintura David fue el máximo exponente del neoclasicismo francés, que contó con pintores como Gross, Gèrard, Prud´hon e Ingres, aunque en algunos de ellos ya apuntaba el germen del Romanticismo, movimiento estético que habría de suceder al neoclasicismo. CARACTERÍSTICAS GENERALES Inspiración en las obras de la época clásica, que se tienen por perfectas y definitivas. Aspiración a una belleza ideal, nacida de la exacta relación de las partes, según medidas dadas por la razón. En las artes plásticas: dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes modelados de modo que da la ilusión de redondez de los cuerpos; colorido suave y composición simétrica y estática. ARQUITECTURA: Se caracterizó por la simetría, la elegancia y la sobriedad, el empleo de un solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de la superposición barroca); además del énfasis sobre los valores lumínicos, la división tripartita de la fachada con tímpano central, la eliminación del color, el gusto por los arcos de triunfo y las columnas conmemorativas. ESCULTURA: Los escultores centran su interés en los ideales estéticos y los procedimientos técnicos de la estatuaria antigua. El italiano Canova fue el más destacado, seguido del danes Thorvaldsen, educado en Roma; otros representantes de la época son: Bartolini, Rude, Pradler, Flaxman, entre otros. PINTURA: Tomó como modelo la estatuaria antigua y el siglo XVI italiano (Rafael). El artista que contribuyó de modo definitivo a afirmar el nuevo estilo fue David, quien influyó en artistas franceses de la talla de Ingres, Gerard y Prud´hon. En E.E.U.U. la influencia italiana e inglesa se fundieron. - ROMANTICISMO Aparece en Francia a principios del siglo XIX como una reacción violenta contra la frialdad del neoclasicismo. Si este significaba la razón, serenidad y límite, el romanticismo era imaginación, pasión e infinito. CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES SUBJETIVIDAD: el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas. LIBERTAD DE EXPRESIÓN: no hay reglas fijas, sino que cada artista puede manifestarse según su gusto y según las exigencias de la propia obra. SUPREMACÍA DEL FONDO SOBRE LA FORMA: lo importante es lo que el artista expresa y no cómo lo hace. La forma de decir es secundaria y debe estar determinada por la naturaleza del contenido. PINTURA: Se caracterizó por el predominio del color sobre la forma. Eran composiciones dinámicas, de gran movimiento y sus temas eran tomados de la literatura y la historia medievales y de la realidad pintoresca. Artistas importantes en el campo de la pintura fueron: Gericaúlt, Delacroix, Francisco de Goya y Caspar Friedrich. ESCULTURA: El movimiento tuvo sus orígenes en la primera mitad del siglo XIX y representó una reacción contra la rigidez académica y la afirmación de una libertad y eclecticismo absolutos. Se abandonaron los modelos de la antigüedad clásica a favor de los ideales medievales. - REALISMO El realismo surge como oposición al idealismo de clásicos y románticos, proponiendo una realidad objetiva de los temas de la vida común; el hombre debe aparecer dentro de su ambiente habitual, y su trabajo cotidiano tiene que ser un motivo de fecunda inspiración. El término realismo fue adoptado por un movimiento artístico que apareció en Francia a raíz de la revolución de 1848 y que tuvo como principal representante al pintor Gustave Courbet, cuyo arte representó las inquietudes sociales que invadieron a Europa a mediados del siglo XIX. CARACTERÍSTICAS GENERALES Temas sacados de la vida real, sobre todo de la vida humilde y trabajadora, expuestos con sentido de crítica social. Presentación de lo bello y lo feo como son, sin idealizarlos. Dibujo vigoroso, aunque no sea correcto; colorido sobrio e interés por los contrastes del claroscuro. Técnica: la que proporciona la más completa identificación entre lo pintado y la naturaleza. Representantes: Courbet, Daumier y Rousseau. - IMPRESIONISMO La primera exposición presentada por un grupo de impresionistas tuvo lugar en 1874 y el nombre les fue aplicado con intención de ridiculizarlos, por los críticos que no veían con buenos ojos el nuevo estilo. Los impresionistas querían captar la cualidad de la luz y de la atmósfera en una hora particular del día a través de las cuales se ven los objetos, pues su condición determina la apariencia de estos. La posibilidad de retratar la luz en términos de la pintura fue resultado del nuevo análisis científico de los colores. El fundamento de este movimiento pictórico se centra sobre la base de que a nivel cerebral las manchas separadas de color se unen; así, una mancha junto a otra azul, da por resultado un color verde si se miran desde cierta distancia. Este principio lo tomaron en cuenta los pintores impresionistas al realizar sus lienzos. La combinación de colores puros ya no se hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino que será el cerebro del espectador el que los una para formar así las figuras. Se consideran iniciadores de este movimiento a los artistas Claude Monet y Edouard Manet; también se destacan Edgar Degas, Pierre August Renoir y Camille Pizarro. El manejo de la luz es la característica primaria, a través del estudio de ella se logrará verificar que un mismo paisaje se verá distinto de acuerdo con la hora del día en que se pinte. A la par de los grupos impresionistas, nace un nuevo grupo de pintores que logran perfeccionar las técnicas y posibilidades colorísticas impuestas por este movimiento, estos son llamados Neoimpresionistas o Postimpresionistas, destacan en este movimiento Paul Cézanne, Gauguin, Vincent Van Gogh y Henri Toulouse Lautree. - EXPRESIONISMO Fue un movimiento artístico plástico emparentado con la literatura; nace en 1890 en Alemania y en los países del norte de Europa, se extiende hasta bien entrado el siglo XX. Destacan en este movimiento los artistas plásticos Edward Munch, Gustav Kimt, Oskar Kokochka, Emil Nolde y Georges Rouault. La pintura expresionista busca y logra expresar violentas emociones, va de dentro hacia fuera, al contrario de la impresionista que va de fuera hacia dentro. Su objetivo fundamental era crear impetuosas reacciones en el espectador, por medio de sentimientos y emociones del artista, expresados con audacia de formas y rígido colorido. - FAUVISMO En 1905 un grupo de jóvenes pintores expuso sus obras y para designar su estilo, los críticos acuñaron el nombre de Fauvismo por parecerles que aquellos artistas eran fauves (fieras). Como movimiento artístico no duró más de cinco años, pero como estilo ejerció una influencia mayor y más persistente en el uso del dibujo y el color que cualquiera otra escuela del siglo XX. El fauvismo derivó de los fuertes colores y las vehementes pinceladas de Van Gogh; de las formas simplificadas y los atrevidos esquemas decorativos de Gauguin, y del desprecio que ambos demostraron por las cualidades académicas formales de la composición. Henri Matisse, primera figura del grupo original fauvista, en su pintura Gran interior en rojo, deja presente la intensidad fauvista del colorido, aunque usado con resultados bastantes diferentes, ya que naturalmente se considera al rojo como color brillante que produce gran excitación y en este cuadro el efecto de la composición da una sensación de profundo reposo. - CUBISMO Este movimiento artístico surge en Francia hacia 1907, y se extiende por todo el mundo. Se inspira en los postulados artísticos de Paul Cézanne y de Georges Seurat; su planteamiento básico es representar obras de la realidad, pero fracturadas por medio de la geometrización de la forma, de tal manera que se representaban las mismas formas del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de simultaneidad de planos. Los artistas cubistas pintaban superficies planas, la perspectiva dada a la obra era aparente, lograda por medio del alargamiento de las líneas y ángulos. El color fue, virtualmente suprimido, subordinándose a las formas y por tanto, al dibujo. Los cubistas crearon la superposición a través de la visión polifacética y simultánea del objeto. Como creadores del movimiento cubista podemos nombrar a importantes personajes como Pablo Picasso y Georges Braque. En Venezuela el cubismo tiene numerosos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado, Armando Barrios y Manuel Quintanilla como representantes de esta tendencia en nuestro país. - FUTURISMO Fue un movimiento italiano al que pertenecieron Humberto Boccioni y Carlo Carrá; su propósito era despertar a Italia de la apatía cultural en que estaba sumida desde fines del siglo XVIII, atacaba a los museos y academias, al culto de lo antiguo y a todo el arte italiano de otros tiempos. El futurismo, exigía un nuevo concepto artístico basado en la dinámica de la velocidad, que para los futuristas era fundamental y peculiar de la vida moderna. El símbolo más venerado por los futuristas era el automóvil de carreras; en esencia la pintura futurista era retrato del movimiento relacionado con el cubismo analítico por su fragmentación, pero así como el cubista ve un objeto estático desde varios ángulos moviéndose alrededor de él, en el futurismo el espectador está quieto mientras el objeto se mueve. Por tanto, en el dibujo, la representación futurista del movimiento simultáneo de un perro que trota por la calle, puede tener veinte patas y seis colas, con efecto parecido al de una larga exposición fotográfica de algún objeto que se mueve. - SURREALISMO Este movimiento vanguardista no se circunscribió a un solo lugar geográfico y su manifestaciones son tan variadas como sus interpretes. Giorgio de Chirico, paul Klee, Man Ray, Salvador Dalí, Joan Miró, Yves Tanguy, fueron sólo algunos de los artistas que tomaron parte activa en el grupo de los pintores surrealistas. El Surrealismo, libró a la pintura de su larga sumisión a la imagen realista y del concepto de espacio heredado del Renacimiento, dándole rienda suelta al artista para expresar sus sentimientos e impulsos más íntimos. Influido por el psicoanálisis de Freud y las doctrinas revolucionarias de la época, el surrealismo supo dar cause a vagos impulsos renovadores latentes en la intelectualidad surgida de la primera posguerra. Su período más floreciente fue el de 1924 a 1928. Como ideal estético se propone lo maravilloso, reuniendo dos objetos incongruentes en un contexto ajeno a ambos; el propósito de los surrealistas no era "hacer arte", sino explorar posibilidades. - ABSTRACCIÓN Este arte consistía en extraer de una imagen figurativa los elementos esenciales, deformándolos o modificándolos; en él se tiende a impresionar lo psíquico por encima de lo puramente visual, se busca una nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar entre dos polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al interpretarla. El arte Abstracto es un movimiento que nace con la creación de la nueva pintura del ruso Wassily Kandinsky en 1910, en la cual no existía ninguna representación figurativa, sino formas y colores; sin embargo, revisando obras prehistóricas, de Egipto, del período prehispánico, etc., se puede ubicar en ellas el origen de este arte. Esta tendencia artística se basó, no en la representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la importancia del color en las obras abstractas. El Abstraccionismo tiene dos corrientes: la Abstracción Lírica, que se refiere a las composiciones donde el artista parte de su intuición para expresar, por medio de color, sentimientos, ideas, etc., y la Abstracción Geométrica, que se refiere a las composiciones en donde el artista trabaja con figuras geométricas como el círculo y el cuadrado, y con líneas que partiendo de colores planos las hacen ser obras totalmente estáticas. 6. BIBLIOGRAFÍA READ, Herbert. Las Bellas Artes. Vol. 1. Editorial Cumbre S.A. México. 1981. 316 pp. WENTINCK, Charles. La Figura Humana en el arte, desde los tiempos prehistóricos hasta nuestros días. Ediciones Abbott Universal. Holanda. 160 pp. PELLICER, A. Cirici. Teoría, Técnicas e Historia del Arte. Enciclopedia Labor. Vol. 8. Editorial Labor S.A. España. 1961. 552 pp. QUILLET, Arístides. Nueva Enciclopedia Autodidáctica. Tomo III. Editorial Quillet S.A. México. 1968. 526 pp. COMBI Visual 2. Grolier International. España. 1972.

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